Confermandosi nuovamente come uno dei principali artisti mondiali del nuovo stile visionario figurativo, Kazuki Takamatsu ha presentato la sua terza personale alla Dorothy Circus Gallery con una collezione di 16 nuove opere che sono state esposte sia nella sede storica di Roma, che nella galleria di Notting Hill, a Londra. Dodici dipinti sono stati esibiti a Roma e quattro a Londra, creando un legame virtuale ed emozionale tra le due gallerie che dà inizio a un nuovo viaggio attraverso l’Italia e il Regno Unito.

Facendo seguito alla collettiva Pages from Mind Travellers Diaries alla Dorothy Circus di Londra, che lo presentava come uno degli artisti principali ad aver contribuito a scrivere la storia della galleria, l’artista giapponese ci conduce attraverso il presente e il futuro, interrogandosi su come sia possibile pensare al domani in modo estetico ed innovativo.

Sviluppando ancora più a fondo il suo iconico stile, Kazuki Takamatsu dipinge delle giovani ragazze che comunicano silenziosamente con lo spettatore attraverso un linguaggio misterioso ma evocativo. I loro volti rimangono puri e semplici, mentre le acconciature e il vestiario si evolvono in forme più complesse e dettagliate, dimostrando un’attenzione dell’artista per le peculiarità che è sempre stata tipica dell’arte asiatica. Gli sfondi oscuri e vacui contribuiscono a far risaltare le figure che predominano le tele, mentre flussi di emozioni risuonano in scene senza tempo.

Artwave era presente all’apertura dela mostra e ha avuto l’opportunità di intervistare l’artista. Potete leggerla qui sotto:

 

Ciao Kazuki Takamatsu, grazie per aver concesso alla nostra rivista questa intervista. Vorremmo iniziare con il tuo background. Come percepisci il tuo paese e la cultura da cui vieni?

Sono nato a Sendai, Miyagi nel 1978. Influenzato dai media e cresciuto in un ambiente di sottocultura, ho frequentato il Dipartimento di pittura ad olio presso l’Università di Design e Arte di Tohoku e mi sono laureato nel 2001. L’inquietante immagine in bianco e nero che uso nel mio il lavoro esplora le narrative della morte e della società, attraverso una tecnica unica di “depth mapping” che ho sviluppato, in cui i medium classici come il disegno, l’aerografo e la pittura a tempera sono combinati con la computer grafica.

 

Ovviamente il tuo paese e la sua cultura influenzano le tue creazioni e forse anche il tuo gusto per il lavoro meticoloso. Raccontaci un po ‘del tuo metodo creativo e come si evolve nel corso del processo.

Prima non usavo il computer e ero abituato a realizzare prima una scultura di argilla e a tagliarla gradualmente in modo da poter creare un dipinto a olio. Un giorno, ho visto un creatore di CG e mi ha detto che avrei potuto fare questo tipo di arte facilmente con il computer. Io uso un “poser” e un'”ombra” morbida per creare la figura. Non uso alcun sistema di illuminazione. Prima di tutto, creo un’immagine usando il computer e stampandola su giclée (tecnica di stampa) su telone.

Poi continuo a dipingere tutte le parti (nero, bianco e trasparente) dell’acrilico. Forse è un po’ complesso da spiegare.

 

Come vedi oggi l’ambiente artistico giapponese? È diverso da quando hai iniziato?

Cambia costantemente.

Quando ho iniziato a fare opere d’arte, l’arte contemporanea in Europa e negli Stati Uniti non era popolare in Giappone. La maggior parte dei giapponesi credeva che l’arte moderna e classica come i Salons e le accademie fossero superiori all’arte contemporanea. La gente pensava che i lavori in cui sono raffigurati illustrazioni e CG non fossero un’opera d’arte di basso livello, quindi il mio lavoro è diventato bersaglio di critiche. Poco dopo, la situazione è cambiata. Le persone si stanno interessando all’arte contemporanea.

Diversi movimenti come il realismo, l’artigianato, l’illustrazione e la tradizione si mescolano ora nell’ambiente artistico giapponese. Tuttavia, il surrealismo pop non è così popolare ora, quindi cerco di illuminare il tragitto per questa arte. Non vedo l’ora di vedere come può cambiare la situazione artistica in Giappone.

Le tue creazioni portano spesso la metafora dei poli opposti. Credi che la dualità stessa sia una parte del tuo lavoro?

Sì. Spesso uso la metafora nei miei lavori per ricordare qualcosa allo spettatore.

 

Potremmo dire che uno splendido mix tra tradizione e tecnologia è intrinseco al tuo lavoro, sia esteticamente che concettualmente. Questa connessione tra passato e presente è qualcosa di cui ti preoccupi, specialmente vivendo in un paese come il Giappone?

Le persone sono controllate dal sistema della società, dalla tecnologia e da altri. Ma abbiamo ancora le emozioni come baluardo dell’umanità. Dipingo questi due lati dell’umano attraverso la pittura analogica e digitale come simbolo della società moderna.

Il tema portante dell’illustrazione nel mio lavoro è l’immagine della società moderna in Giappone.

 

Distanfeerism è un modo in cui ti riferisci al tuo modo di creare, giusto? Potresti spiegarci di cosa si tratta e come funziona?

Ho creato la parola “Distanfeerism” che è la combinazione delle parole “distanza (profondità)” e “sentimento”. Le graduazioni uniformi nello spazio mostrano l’immagine del digitale e del sistema. Le gradazioni dal bianco al nero rappresentano l’immagine della vaghezza e globale. Umano come motivo della tradizione è l’immagine dell’emozione. Questo è “Distanfeerism”.

 

Quali sono i tuoi legami professionali con Roma e Londra? Credi ci sia una distinzione su come le tue creazioni vengano percepite in ogni città?

Questa è la mia terza mostra a Roma, quindi posso creare facilmente le opere. Ho realizzato un’opera rossa che rappresenta la passione di Roma. Nel caso di Londra, questa è la prima volta per me, quindi faccio il lavoro che è il mio stile tipico e ho cercato di fare il miglior lavoro della mia carriera. Tutte le opere a Roma e Londra fanno parte della stessa serie, quindi sono la stessa storia.

 

Passion, Kazuki Takamatsu

 

L’Italia (e Roma in particolare) ha mai influenzato le tue creazioni in qualche modo?

Recentemente ho dipinto un motivo che proviene dall’Europa, specialmente da Roma. Quando sono venuto a Roma per la prima mostra alla DCG, sono rimasto affascinato dalla tradizione, dalla storia, dalla passione e dalla convivenza tra il moderno e il classico.

Queste cose sono molto simili con il mio concetto (tema), quindi si può dire che l’esperienza a Roma abbia influenzato il mio lavoro.

 


 

English Version

 

Confirming himself again as one of the leading artists of the new visionary figurative art worldwide, Kazuki Takamatsu presented his third solo show at Dorothy Circus Gallery with a collection of 16 brand new artworks to be displayed both in the historical premises in Rome and in the gallery based in Notting Hill, London. 12 paintings have been shown in Rome and 4 in London, creating a virtual and emotional bond between the two galleries that introduces the audience to a new journey through Italy and the UK.

Following the group show Pages from Mind Travellers Diaries at DCG London, which presented him as one of the main gallery artists who participated in the writing of DCG’s history, the Japanese artist introduces us to a voyage through present and future, giving a glimpse of how it is possible to think of tomorrow in an innovative and aesthetic way.

Developing even further his iconic style, Kazuki Takamatsu paints young girls that silently speak to the beholder through a mysterious but evocative language. Their faces remain pure and simple, while their hairstyles and clothes become more complex and detailed, demonstrating the artist’s attention to peculiarities that has always been typical of Asian art. The dark and empty backgrounds contribute to make the figures stand out and take predominance, while flows of emotion resound in the timeless scenes.

Artwave has attended the opening of the shown in Rome and had the opportunity to interview the artist.

 

-Hi Kazuki Takamatsu, thanks for conceding our magazine this interview. We’d like to start with your background. How do you perceive your country and the culture you come from? 

I was born in Sendai, Miyagi in 1978. Influenced by media and growing up in a subculture environment, I attended the Department of oil painting at Tohoku University of Art & Design and graduated in 2001. The haunting black and white imagery I use in my work explores narratives of death and society, through a unique depth mapping technique that I developed, in which classic medium such as drawing, airbrush and gouache painting are combined with computer graphics.

 

-Obviously your country and culture influences your creations and maybe also your taste for the meticulous work. Tell us a bit more of your creative method and how it evolves throughout the process. 

I didn’t use computer before and I was used to make a clay sculpture and cut it gradually so I could draw an oil painting. One day, I saw CG creator and he told me that I could make this kind of art work easily by computer.

I use a soft “poser” and “shade” to create the figure. I don’t use any lighting system. First of all, I create an image (figure) using computer and print it by giclée (printing technic) on tarpaulin. Then I continue on painting all the parts (black, white and clear) by acrylic. Maybe it’s complicated to explain.

 

-How you do see the Japanese art environment nowadays?  Is it different from when you started?

Changing all the time.

When I started to make art works, the contemporary art in Europe and U.S.A was not popular in Japan. Most of Japanese believed that Modern and classic art such as SALON or academic group was superior than contemporary art. People thought the work which is featured illustration and CG was not fine art or low level, so my work was became a target of abuse. Soon after, the situation was changed. People are getting interested in the contemporary art. Several movements such as realism, craft, illustration, technical and traditional are mixing in Japanese art environment now a day.  However, Pop Surrealism is not so popular now, so I try the enlightenment activity for it.

I am looking forward to see how the art situation in Japan can change.

-Your creations bring often the metaphor of the opposite poles. Do you believe duality itself is a part of your work?

Yes. I often use the metaphor on my work to remind something for the viewer.

 

-We could say a beautiful mix between tradition and technology is intrinsic in your work, both aesthetically and conceptually. Is this connection between past and present something you worry about, especially living in a country like Japan?

People are controlled by the system of society, technology and others. But we still have the emotions as humanity.

I paint these both side of human by analog and digital way of painting as the symbol of modern society. The illustration motif on my work is the image of the modern society in Japan.

Peace of Mind,Kazuki Takamatsu

-Distanfeerism is a way you refer to your own way of creating, is this right? Could you explain what it is and how it works?

I created the word “Distanfeerism” which combined “distance(depth)” and “feeling”.

The graduations which are uniformly space show the image of digital and system.

The graduations from white to black are the image of vagueness and global.

Human as the motif of tradition are the image of emotion. This is “Distanfeerism”.

 

-How’s your professional relation with this cities, Rome and London? Do you believe there’s a distinction on how your creations are perceived in each city?

This is my 3rd exhibition in Rome, so I can make images easily, so each time I want to show a different type of my work. This time I made a red work which represents the passion of Rome.

In case of London, this is a first time for me, so I created pieces that are my typical style and tried to make the best work of my career. However, all works in Rome and London are same series, so they are in a same story.

– Has Italy (or Rome) ever influenced your creations in any way?

I recently paint motifs which are from Europe, especially Rome. When I came to Rome for the first exhibition at DCG, I was fascinated by tradition, history, passion and the coexistence with modern and classic.

These things are very similar with my concept (theme), so the experience in Rome has affected my work.

-Lastly, I’d like to thank you on behalf of our team for your time and patience and would like to wish you an amazing time at the Eternal City.

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